Author: Alvina Ruprecht

Alvina Ruprecht is professor emerita from Carleton University. She is currently adjunct professor in the Theatre Department of the University of Ottawa.She has published extensively on francophone theatres in the Caribbean and elsewhere. She was the regular theatre critic for CBC Ottawa for 30 years. She contributes regularly to www.capitalcriticscircle.com, www.scenechanges.com, www.criticalstages.org, theatredublog.unblog.fr and www.madinin-art.net.
Shelley and Lovelace Never met

Shelley and Lovelace Never met

 Sarah Thuswaldner and    Becky McKercher.

Created and performed by Becky McKercher as Mary Shelley and Sarah Thuswaldner as Ada Lovelace by the Dangerous Dames Theatre based in Ottawa.

This fringe event is  a most sophisticated text by two actresses who play the individuals involved:   two women who made their mark in  litterary and mathematical history and who appear as Spirits  resurrected  in  a  cemetery  where  they   meet  one  night  to   discuss their strange and difficult relations with their familiies.

Mary Shelley  was  the wife of Poet Percy Shelley and the author of Frankenstein, a great classic  of 19th Century fiction, probably read by more people than the works of Charles Dickens.  Lady Lovelace  was the daughter of Lord Byron. She was both a scientist and a mathematician. She  was noted for her work “ on  British  mathematician   Charles Babbage’s analytical  engine which was the fore-runner of the computer.  The sense of this duo performance is not only to show  the biographies of these two women but mainly to emphasize   on one hand their relationship with these two great writers (Shelley and Byron) and on the other hand to emphasize the fact that these women were two  of the greatest minds in the 19th Century whose work surpassed almost everything that the men  had done at that time.

The title of this theatre  company ‘”Dangerous Dames”  attests to that reputation and the fact that highly intelligent women were sometimes more  feared than admired  at that period . The performance was a spritely  and a special moment of the fringe which plunged us into that British period with the accents, the costumes, the coiffures, the references and the way these two actresses  recreated the atmosphere of  witty and even mannered  conversation that took place during the gatherings of poets and writers at that time.

As well as the text, the staging of this clever confrontation  of minds and spirits was delightful because they toyed with each other, shifting roles. and moods.   Sometimes they would   take on the voices of their  husbands or fathers., pretending to debate ideas between  two  people  although the  performance was carried out by a single actress. The orchestration of these various voices was perfect and the moving from one character to  the next was seamless. Both actresses showed  enormous skill.

It was not difficult  to identify which  actress was playing  which  individual (or individuals) and  the event was totally enjoyable  because it brought a lot more depth to the way feminist theatre is usually presented . It also  confirmed to the members of the audience that they  were  well educated because the quotes and references were usually easily recognizable and immediately explained.

A perfect and intelligent vehicule for the fringe.

Vox Théâtre remporte le prix annuel du CRCCF

Vox Théâtre remporte le prix annuel du CRCCF

Posté par Alvina Ruprecht, pour Pier Rodier, Marie-Thé Morin, et Joël Beddows

Ottawa, le 13 juin 2023 — Le 8 juin dernier, c’est avec beaucoup d’émotion et de reconnaissance que Pier Rodier et Marie-Thé Morin, membres fondateurs de VOX Théâtre, ont accepté le prix annuel du Centre de recherche sur les francophonies canadiennes (CRCCF) remis par la directrice Lucie Hotte dans le cadre du colloque « Traces des arts vivants au Québec et au Canada français ».
Le Prix du CRCCF reconnaît les mérites et l’excellence de chercheurs ou d’artistes exceptionnels dont les travaux portent sur le Canada français ou l’Ontario français dans les diverses disciplines du Centre. Il souligne également l’admiration et la reconnaissance de leurs pairs pour leur travail ou leur implication particulière.
Tout en mentionnant l’engagement politique de Pier Rodier et Marie-Thé Morin, notamment dans les dossiers de l’Hôpital Montfort et de La Nouvelle Scène, Joël Beddows affirme aussi dans son texte d’hommage :
«  (…) leurs spectacles sont toujours un mariage entre la réflexion politique et un ludisme affiché, ce qui explique sûrement l’importance de la pensée brechtienne comme clé à la compréhension de leurs créations.
Les artistes phares de cette compagnie ont toujours habité et investi les marges, et ont fait figure d’éclaireurs. Si l’institution théâtrale franco-ontarienne a souvent souligné les contributions et l’originalité des dramaturges masculins, elle a peu souligné les contributions des femmes dans le domaine de l’écriture. Marie-Thé Morin a servi de modèle et de source d’inspiration pour toute une génération de dramaturges. (…)

Quant à Pier Rodier, nul ne peut douter qu’il est le principal responsable de l’émergence du théâtre pour les tout-petits en Ontario français, un domaine dans lequel il s’est rapidement affirmé comme l’un des créateurs les plus importants du Canada, toutes langues confondues. En témoignent les accolades bien méritées pour les créations Mots de jeuxde Sarah Migneron (…) et Mokatek de Dave Jenniss (…). “It is impossible to talk about theatre for children under 6 in this country without talking about Vox and Pier Rodier”, m’a confié Lynda Hill, directrice artistique (du WeeFestival Toronto).
(…) la Compagnie Vox Théâtre, Pier Rodier et Marie-Thé Morin sont les preuves qu’il est possible de cheminer dans la durée sans jamais quitter l’Ontario français, sans jamais compromettre sa démarche artistique. Les Japonais attribuent le titre de “trésor national vivant” à leurs plus grands artistes et artisans de la scène. Je ne crois pas qu’il serait exagéré d’affirmer que Pier et Marie-Thé peuvent désormais porter ce même titre. »
De leur côté, Pier Rodier et Marie-Thé Morin souhaitent remercier sincèrement toutes les personnes — artistes et membres du conseil d’administration et du personnel — qui ont, au fil des ans, contribué à façonner la pertinence et l’importance de VOX Théâtre au sein du milieu théâtral franco-canadien.

– 30 –

Lucie Hotte, professeure titulaire au Département de français et directrice du Centre de recherche en civilisation canadienne-française de l’Université d’Ottawa, Pier Rodier, cofondateur et directeur artistique et général de VOX Théâtre, Marie-Thé Morin, cofondatrice et artiste associée de Vox Théâtre, Louise Frappier, professeure agrégée, Faculté des arts, Théâtre, Université d’Ottawa
Crédit photo – Manon Doran

Ola Dada: interview with the award-winning Canadian stand-up comic

Ola Dada: interview with the award-winning Canadian stand-up comic

Ola Dada

Is stand-up comedy a form of theatre?.Some would say no, but I would beg to differ especially in the light of the work of Ola Dada,  one of the newest and most talented stand-up comedians who comes out of Fort McMurray by way of Nigeria.   I  have just seen a performance by Ola at the Absolute Comedy Club in Ottawa  where he had the audience howling with laughter and the actor was good enough to grant me this  interview the morning after his opening show.

A.R.  Your   talents are so diverse that it is difficult to define the nature of this special sort of “stand-up” but what emerges is both the way you  deconstruct ideas that appear unacceptable  and the way you  show your  great gifts as an actor. You not only speak beautifully but  you also use your whole body  on stage including your facial expressions. and even your eyes. You change your style of speech at the drop of  a hat. As well, when something strikes you as problematic  you unexpectedly  stop what you are saying   and suddenly laugh at the audience . You break the tension by changing  the tone and style of your speech with a huge smile. You are  a perfect  verbal and corporeal mimic and consequently, you are clearly an excellent actor!  It is quite amazing.  How is it that you perform this  way? Is it something you picked up naturally or was it a technique  you were taught?

O.D. Actually I speak very quickly and I can tell that if people are laughing very hard. they will not hear my response so to break the rhythm , I breathe for a second and that moment of change is as much for myself as for the audience. It comes down to creating a space  for people in the audience to reset their  reactions. Sometimes I stop completely if I have made a very funny joke.   These jokes are quite loose but when I’m on stage I could very well come up with a new line as opposed to the one I had already prepared.  That  depends very much on the audience reaction. Sometimes if it works very well I will expand on the joke or if it is not closely related to the punch line I don’t expand  anything but  just keep my lines moving.  The audience neither knows what is coming nor what is supposed to be a big laugh so I have to change the script based on their spontaneous reaction to the joke. That is how I gage my interaction with them….it is actually a little dance that we do. I know I don’t always talk about things related to the experiences of a lot of people but what I try to do is to describe the event  and then bring the audience into it.

A.R.   Do you improvise a lot on stage

O.D. All the time. I don’t have a script but I have a set list of jokes that I intend to  go through but within the jokes are set up in such a way that the “punch line” is at the end  but when I enter that joke I haven’t completely memorized the way of saying it. What I do is try to get to the next joke with as few  words as possible.  The thing is to keep the audience engaged. That makes it possible for a person to watch the show one night and then return the next night and laugh at different parts of the same joke because that content always seems to be changing.

A.R. I like the way you seem  to be speaking very seriously and suddenly you stop, change the tone;  then you  laugh, look at the audience  and say something that is ridiculous  and the audience howls. If  you connect  with the spectators is it based both on what you say or on your physical reaction and your mime? I had the impression it was based on everything given the fact that you are not just a stand up comic but you are a real actor and a very good one.  For example all that business about pigeons was so funny.

O.D.  Pigeons are scary!

A.R.  What is scary about pigeons?

O.D.  The eyes! They terrify you .  But mainly they poo on your head!  There are a lot more pigeons  in Toronto than there are in Vancouver, because people feed them in Toronto.  It was very concerning for us. Pigeons there seem to be so comfortable with human beings.  I had never seen that before, honestly. There was a regular guy  sitting on a bench talking on the phone and a pigeon sat right beside him for such a long time and the fellow wasn’t even feeding it. The pigeon  just watched him talking and I asked myself…What is happening here?

A.R. Your talent for mime was revealed at that point because when you explained how you didn’t like pigeons. You started twitching your head back and forth like a pigeon, in fact you became a pigeon.  It was absolutely fantastic. You are almost as good as Marcel Marceau!  did you study mime?

O.D. No. Its just that in terms of stand up comedy, the people (or animals) I watch have to provide a visual description in terms of how they express themselves and what they do. It is also necessary to do that to get  to the next level of  stand-up  because the people who decide feel it is important for the audience to see what you are talking  about and that way it is easier for the spectators to laugh so  I try to become  the character (whether its my mom, my father my manager, a pigeon or a horse).

A.R.  I gather audiences are different  in each of the cities  where you have performed:  Vancouver, Fort McMurray, Toronto and Ottawa. If so  what are the differences?

O.D  I found that people are more relaxed  in Vancouver and  they  laugh differently.   There I get the feeling that  they aren’t  sure they should laugh at different stuff but I do understand when people are enjoying themselves  when they smile or cover their face. Its because the culture is different in each city. In Toronto people give  big loud laughs to represent their expressive personalities. Las night in Ottawa people gave a whole body laught!.

A.R.  Chris Timms, the host of the evening, also a very professional comic delivered his speeches in a very  definite rhythm  so what he said almost sounded like poetry and your work has a lot of that quality. You maintain a rhythm even when you are interrupted by the physical or vocal reactions, sudden  spurts of loudness or swearing but the rhythm was almost hypnotic and quite extraordinary.

O.D You have a good ear because a lot of people who come to stand up don’t catch that.  The rhythm is like the timing up to the punch line. If you watch a stand-up comic you can tell where the joke is going and when the  punch-line is about to hit  and you obviously caught that yesterday.

A.R. Is there anything else you would like to say about the way you work?

O.D   Oh man! I listen a lot to my jokes. Usually I  record them and listen to them afterwards because  writing down my jokes slows down the creative process as opposed to recording them and then adding  verbally what I want to do.  I will watch the film (also recorded),  listen to the joke  change it and record it again and listen to it again. so I have the new version immediately  without rewriting it.

A.R.You do that at home after the show.

O.D. Yeah!  And sometimes watching these recordings I do realize where I should pause or what I should emphasize.  For example, the joke about going into a public  sauna naked with your friends.  When you start the show you want to get the first laughs as quickly as possible.  And when I make fun of a place it isn’t in a malicious way. For example. when I spoke of Saskatoon ….I try to find a factual issue  with which no one can disagree.  I said  Saskatoon is flat whereas Fort McMurray is cold.  A lot of times people will  say “so you hate fort McMurray?”  and I answer “no I hate the cold”…which  doesn’t upset anyone.

Actually I love stand-up comedy. It’s a very versatile kind of performance that can be represented in any shape or form. And even though I think I have learned everything about it I watch someone do something  I haven’t seen before I learn new things.

When you start with stand-up you do 5 minutes,  then a strong 5 minutes, then 1 0 minutes , then a strong 10 minutes,  then a strong 20 minutes but the leap from 20 to 45 minutes is big leap..You might even perform those 20 minutes for a couple of years before you graduate to 45.   I finally had enough contact with the audience for a  45 minute set but I did not have the rhythm nor the pacing . Also when people are sitting down listening to stand-up and laughing for 20 minutes or more, they get tired so I had to learn to slow down because if I came in and immediately  started pushing one joke after another, you can end up talking through the laughs and one has to learn to pace the jokes so as not to “step on the laughs “ as they say but you have to learn to slow down  and then speed up  and then slow down and continue changing like that so the people are given time to laugh. It all concerns ones sense of rhythm and the fact that the comic keeps  the energy in the room alive.

A.R. Your ear is very good, you have the ear of a musician orchestrating  your voice.

O.D  Yes,  because you have to listen to the type off laugh  that includes the energy and the mood  of the audience. Finally tell what was your favorite joke?

A.R. I liked  the way you portrayed your parents when they expressed their concern about your becoming a stand-up comic. They spoke english with a Nigerian accent and your father had a low gruff voice.

O.D. My dad’s voice is much deeper than mine.

A.R   But you brought yours down.  and then I also liked the performance of the friend of yours “Mista Dray”.He obviously didn’t have the same amount of experience you had  but he showed a lot of promise.

O.D.  He drove three hours from Oshawa just to be with us last night. He has worked in Toronto and in Ottawa and will soon be performing as I am.

A.R. Thank-you so much for  this interview  and   we hope you return soon to Ottawa,  perhaps performing on the larger stage of a legitimate theatre like the GCTC  or  the Gladstone.

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Angels in America de Tony Kushner

Angels in America de Tony Kushner

« Angels in America », m.e.s. Arnaud Desplechin à la Comédie française

14 mai 2023

—Par Dominique Daeschler —

La reprise d’Angels in America de l’américain Tony Kushner, réaffirme avec vigueur, la pertinence d’un questionnement sur une Amérique puritaine, obsédée par le mal sa punition divine. C’était hier avec l’explosion du sida et le haro sur les homosexuels C’est aujourd’hui avec l’avortement.

Le texte, s’il n’est plus un texte d’intervention fait toujours écho. Arnaud Desplechin, en cinéaste, découpe en plans, en séquences, s’amuse de jouer du décalage de la parole théâtrale, nous revoyant à nos références shakespeariennes, brechtiennes pour mêler poétique et politique en astucieux travellings. Devant l’Amérique ébahie, des homosexuels se découvrent, s’aiment, se quittent, se renient ou affirment la réalité d’une forme d’amour là même où le sida l’attaque. De Louis à Prior, De Belize à Roy Cohn et Joe, s’échangent des paroles secouées comme dans ces roues de la chance qui cherchent la combinaison gagnante.

File le temps de Reagan à Trump, de Tchernobyl à la fin de l’URSS. Les éléments d’une Amérique melting-pot se trouvent rassemblés par un dénominateur qui s’appelle homosexualité et un révélateur qui s’appelle sida qui sera sauvé, qui sera puni ? Pardon et culpabilité.

Sur fond de planisphère, toile de décor, des anges, représentant chacun un continent, tombent du ciel , aveux d’impuissance ou de rédemption.

Une distribution très homogène de la subtile Dominique Blanc au constant Michel Vuillermoz, enrichie par la présence de jeunes sociétaires : Jennifer Decker, Julien Frisson, Gael Kamilindi, Florence Viala, Jérémy Lopez, Clément Hervieux-Léger nous offre trois heures de pur bonheur.

This article was written by Dominique Daeschler  first posted on Madinin Art (le blog martiniquais) and finally reposted by Alvina Ruprecht on the Capital Critics Circle.  We share the most interesting articles on international theatre!

New Artistic Director of the Alberta Theatre Projects.

New Artistic Director of the Alberta Theatre Projects.

Kadri_Haysam[9844]Haysim Kadri   photo furnished by the theatre

– The Board of Directors for Alberta Theatre Projects (ATP) is thrilled to announce Calgary’s own Haysam Kadri as the company’s new Artistic Director. He is well-known in the Canadian theatre community as a producer, director, and actor and he has just completed an elevenyear term as Artistic Producer of The Shakespeare Company where he helped establish the company as a leading performing arts organization in Calgary. He is known for programming innovative and inspiring productions introducing new audiences to classical works. Following the tragic passing of ATP’s Executive and Artistic Director Darcy Evans, Kadri served as Interim Artistic Director while also helping the company weather the storm of the global pandemic. “The entire Board is incredibly pleased that Haysam has agreed to join us as Artistic Director,” said Vishal Saini, Chair of the Board of Directors. “He is a proven and respected leader who knows ATP, and the broader theatre community, well. The Board is unanimous in our support for Haysam and our optimism for the future of ATP with him in this critical role.” “As an artist growing up in Calgary, I have always strived to invest my energy here at home,” said Kadri. “Becoming Artistic Director for one of the country’s top contemporary theatre companies is an exciting challenge. I love ATP, and the opportunity to play this leadership role is a great honour.” ATP has been in a period of transition since parting ways with our former Artistic and Executive Director in late 2022. With Kadri in place as Artistic Director, the Board will begin its search for an Executive Director with the aid of Martin Bragg & Associates. The Board of Directors is also undergoing a period of transition as it brings on new members to fully support ATP and its leadership with a diversity of experience, expertise, and perspective. “On behalf of the Board, I must extend our sincerest thanks to ATP staff, our dedicated volunteers, donors, subscribers, ticket holders, and everyone within the theatre community who continue to support us,” said Saini. “With Haysam as Artistic Director, we are excited about the future of ATP as we continue our mission to produce provocative and entertaining contemporary stories in Calgary.” ATP recently concluded its 2022-2023 season with a hit production of Teenage Dick, a co-production with The Shakespeare Company and Hit & Myth Productions. The 2023-2034 season will be announced in the coming weeks.

this article is a press release from the theatre,  posted by Alvina Ruprecht

Théâtre Vollard : Une compagnie théâtrale fondée par Emmanuel Genvrin à l’île de la Réunion

Théâtre Vollard : Une compagnie théâtrale fondée par Emmanuel Genvrin à l’île de la Réunion

Pour ceux qui s’intéressent à l’activité théâtrale de la France d’outre-mer, cette immense étude de trois tomes  et plus de mille cinq cent  pages* serait une excellente introduction.  Cette œuvre s’inscrit dans un rapport très personnel avec la matière puisqu’Emmanuel Genvrin fut celui qui a créa la compagnie Vollard, orienté son évolution et enrichi ses texte par sa connaissance des mythes et de la culture populaire de la région. Il faut ajouter que cette histoire est aussi celle de sa propre vie, celle de son amitié avec les artistes: comédiens, musiciens, danseurs auteurs dramatiques, poètes, historiens, linguistes, scénographes et compositeurs,

En guise d’introduction, Emmanuel renvoie à un essai  important de Maria Clara Pellegrini (Tome 1, p.17-31) où cette professeure  et historienne du théâtre donne des pistes sur le travail de la compagnie. Selon Mme Pellegrini, la Réunion n’a ni réussi à engager une réflexion critique sur la période coloniale ni constitué une identité nationale. En 1979, époque de la création de la troupe, l’île n’était pas encore affranchie de l’hégémonie de la culture française, ni du malaise qui frappait les historiens lorsqu’il s’agissait de parler de colonisation et d’esclavage . Le travail du théâtre Vollard constitua à corriger cette “aphasie historique”.

Mme Pellegrini renvoie à d’autres lieux et à d’autres auteurs, aux Antilles et en Afrique (tels Aimé Césaire en Martinique ou Léopold Sédar Senghor au Sénégal) qui se sont exprimés contre l’esclavage et les malheurs de la colonisation. Il est vrai que l’esclavage apparaissait comme un sujet de moindre importance dans l’histoire de l’océan Indien en comparaison de celle des colonies caribéennes  de la France.  Une anomalie corrigée  par Emmanuel Genvrin avec ses pièces Marie Dessembre et Etuves et L’Esclavage des Nègres explorant les rapports entre maîtres et esclaves. La question, coloniale et contemporaine, de l’émigration entre les Dom-Tom et la métropole est évoquée dans Nina Ségamour, Colandie  ou Séga Tremblad.

Pour ce qui est de l’attitude critique et provocatrice  de son fondateur, elle était mise en évidence par le fait qu’il donna le nom de Vollard à sa troupe de théâtre.  Ambroise  Vollard , né à la Réunion, fut un marchand de tableaux jouissant d’une excellente  réputation parmi les artistes de toute l’Europe et au-delà. Ce qui attirait l’attention de Genvrin fut sans doute la proximité  entre  A. Vollard et Alfred Jarry, le créateur du d’Ubu, pièce qui se distingua dans le théâtre français en tant que parodie de Macbeth de Shakespeare, tandis qu’Ambroise Vollard reprenait le personnage dans l’Almanach du XXè siècle puis dans des piécettes  en 1914-1920 en se moquant des traditions  de son pays d’origine. Genvrin reprit le personnage  dans Votez Ubu Colonial  pour exprimer son propre regard sur La Réunion et la politique insulaire.

Lors d’un séjour dans cette île, j’ai fait la connaissance de l’auteur  qui m’a offert un grand nombre de ses  livres  alors que, en conflit avec les autorités, il était menacé de fermer son théâtre.  Parmi eux, le fameux Votez Ubu Colonial en livre de poche (le Tome III, p. 8-133 analyse le livre en détail). L’ouvrage est intéressant puisqu’il résume  les œuvres créées par la troupe jusqu’en 1994, date de la création de la pièce. Il reproduit également les dessins d’un artiste local, Serge Huo-Chao-Si, – dont le style  rappelle celui de Pierre Bonnard – qui illustra l’édition des UbuVotez Ubu Colonial, de Genvrin, reproduisait aussi des partitions de musique de Jean-Luc Trulès, bien avant celles des opéras que lui même et son collègue  compositeur allaient produire quelques années plus tard.  La contribution de Trulès  s’avérait majeure parce qu’ajoutant une grande variété de formes musicales dont les sources européennes et indo-océaniques correspondaient à la philosophie artistique de son ami Genvrin. Le résultat était une vision tout à fait unique et très différent de ce qui se produisait auparavant dans la région.

Ambroise Vollard […] que Genvrin s’était permis de faire revivre à travers le  personnage d’Ubu créé par Alfred Jarry […] est le dénominateur commun.[…] Jarry donna son nom à ce fantoche en le portant à la scène en 1896. Pour certains, il s’agit d’une image prophétiquement vraie , annonciatrice de futures monstres  nés à  partir de la guerre de 1914  (Votez Ubu Colonial, p.1)

Dans le même  livre, Genvrin présente une préface rédigée par Agnés Antoir, historienne, professeure et présidente  de l’Association Théâtre Vollard. Le texte saisit l’importance de la musique du compositeur Jean-Luc Trulès qui a magnifié les productions de la compagnie et  séduit non seulement le public local mais aussi les habitants de Madagascar, de l’Ile Maurice, ou de la Métropole.

La préface et la postface étaient suivies d’un glossaire pour aider les lecteurs à  comprendre des expressions  créoles argotiques.

Voici une sélection:

Argent braguette      =    allocations familiale

Cafre                           =     noir

Dodu                           =    prison réunionnaise

Faire tantane             =     ne rien faire, fainéanter

Gros zozo                    =     riche, puissant

La dit-la fait                 =    commérage

Maîtresse  poulet      =     métropole

Jamaïque                     =    célèbre  décharge public

Madame Gaspard      =   Madagascar

Sarda                              =  libérateur d’esclaves

Zamal                              =  marijuana

Zoreil                              =  metropolitain

Cette préface résume  les premières quinze années  de la troupe et les moments les plus importants  de  son évolution.   Elles sont suivies du texte intégral et d’autres tirés des œuvres d’Alfred Jarry dans une version publiée en 1962.  Ainsi, les curieux peuvent  faire la comparaison entre les deux textes : la version de Jarry  dénonçant les exactions des dictateurs  européens, et la version de Genvrin  s’en prenant  ironiquement aux  groupes nationalistes  et  racistes opposés à la  décolonisation. (les conflit entre l’OAS et les Algériens dans les années 1960 en lutte pour leur indépendance  serait un rapprochement  à la faire).

Par ailleurs, le “Véritable  portrait de Monsieur Ubu”, dessiné probablement par Jarry lui-même, évoquait  une figue à peine humaine avec une tête pointue et un énorme ventre, à la fois ridicule et effrayant.  En revanche, l’Ubu d’Emmanuel Genvrin dessiné par Serge-Huo-Chao-Si et publié  en couverture  de Votez Ubu Colonial, est la caricature grotesque d’un homme noir, suggérant des dictateurs Africains comme Bocassa ou Idi Amin Dada. Votez ubu Colonial associe des événements actuels (la guerre de Yougoslavie, les massacres du Rwanda et les propres déboires de sa compagnie avec les autorités réunionnaises.

Dessin par Serge Huo-Chao-Si

Alfred Jarry est mort en 1907 à la veille de la première guerre mondiale; Ambroise Vollard est mort en 1939 à la veille de la seconde après avoir amassé une fortune en tant que vendeur de tableaux.  Genvrin n’a pas voulu rendre hommage au bourgeois mais à celui qui a repris  dans ses écrits le personnage d’Ubu en l’associant à l’île de La Réunion. Il imagina le premier un bouffon vulgaire, incarnation de l’oppression des habitants  de l’île.  Genvrin, avec  son  esprit rebelle, reprit le flambeau. La rencontre de ces deux personnalités fut parfaite.

Le texte de Genvrin se termine par une postface (p, 169-181) intitulée   “Ré-Ubu-yon , j’aime ton nom”  célébrant l’origine de la colonie en s’appuyant sur des faits historiques.

On célébrait  récemment à la Réunion un  “singulier anniversaire,”, celui du  bicentenaire du nom même de  l’Ile  qui de Bourbon devint La Réunion, par une décision de la Convention le 19  mars 1793”.  Le texte constate la contradiction entre les intentions officielles des fondateurs de la colonie, c’est-à-dire  réaliser l’utopie d’un idéal d’harmonie, de liberté et de fraternité universelle, et le fait que ces grands principes  étaient apparemment trahis par ceux qui tentaient de réduire Genvrin au silence en refusant sa vision critique de cette histoire.

Grace à  Emmanuel Genvrin, son théâtre est devenu une vaste laboratoire de recherche transculturelle et intellectuelle où de multiples  réseaux de significations ,  de sens et de pratiques s’entrecoupent  afin de divertir le spectateur et le faire réfléchir .  Genvrin a créé une vingtaine de pièces de théâtre et trois livrets d’opéra abordant les problématiques de l’histoire de l’île . Malgré la qualité de ses productions scéniques et publications, la troupe souffrit des décisions de l’administration française puisqu’à partir du moment où l’Ètat constata l’attitude critique de l’auteur à l’égard de la politique coloniale, il entreprit de ruiner son théâtre et traduire son directeur en justice.

La réponse de Genrin fut de sauver la mémoire de sa troupe. Le résultat est cette étude impressionnante reproduisant des pièces intégrales, des livrets d’opéra et des partitions destinées à siéger dans les bibliothèques. Il a ainsi contribué à prolonger le souvenir de cet extraordinaire phénomène théâtral.

· Emmanuel Genvrin,  Théâtre Vollard (TomeI 1981-87; Tome II 1988 – 1993; Tome III 194-2021). L’Harmattan , Paris, 2022

Theatre Vollard: une compagnie théâtrale fondée par Emmanuel Genvrin à l’Ile de la Réunion

Theatre Vollard: une compagnie théâtrale fondée par Emmanuel Genvrin à l’Ile de la Réunion

Pour ceux qui s’intéressent à l’activité théâtrale de la France d’outre-mer, cette immense étude de trois tomes  et plus de mille cinq cent  pages* serait une excellente introduction.  Cette oeuvre s’inscrit dans un rapport très personnel avec la matière puisqu’Emmanuel Genvrin  fut celui qui a créa la compagnie Vollard, orienté son évolution et enrichi ses texte par sa connaissance des mythes et de la culture populaire de la région. IL faut ajouter que cette histoire est aussi celle de sa propre vie, celle de son amitié avec les artistes: comédiens, musiciens, danseurs auteurs dramatiques, poètes, historiens, linguistes, scénographes et compositeurs,  

En guise d’introduction, Emmanuel renvoie à un essai  important de Maria Clara Pellegrini (Tome 1, p.17-31) où cette professeure  et historienne du théâtre donne des pistes sur le travail de la compagnie. Selon Mme Pellegrini ,  la Réunion n’a  ni  réussi à engager une réflexion critique sur la période coloniale ni constitué une identité nationale . En 1979, époque de la création de la troupe, l’île n’était pas encore afffanchie de l’hégémonie de la culture française. ni du malaise qui frappait les historiens lorsqu’il s’agissait de parler de colonisation et d’esclavage . Le travail du théâtre Vollard constitua  à corriger cette “aphasie historique”.

Mme Pellegrini renvoie à d’autres lieux et à d’autres auteurs aux Antilles et en Afrique  (tels Aimé Césaire en Martinique ou à Léopold Sédar Senghor au Sénégal) qui se sont exprimés contre l’esclavage et les malheurs de la colonisation. Il est vrai que l’esclavage apparaissait  comme un sujet de moindre importance dans l’histoire de l’océan Indien en comparaison de celle des colonies caribéennes  de la France.  Une anomalie corrigée  par Emmanuel Genvrin avec ses pièces Marie Dessembre et Etuves et L’Esclavage des Nègres explorant les rapports entre maîtres et esclaves. La question, coloniale et contemporaine, de l’émigration entre les Dom-Tom et la métropole est évoquée dans Nina Ségamour, Colandie  ou Séga Tremblad.

Pour ce qui est de l’attitude critique et provocatrice  de son fondateur, elle était mise en évidence par le fait qu’il donna le nom de Vollard à sa troupe de théâtre.  Ambroise  Vollard , né à la Réunion, fut un marchand de tableaux qui jouissant d’une excellente  réputation parmi les artistes de toute l’Europe et au-delà. Ce qui attirait l’attention de Genvrin fut sans doute  la proximité  entre  A. Vollard et Alfred Jarry, le créateur du Père Ubu ,  pièce qui se distingua dans le théâtre français en tant que parodie de Macbeth de Shakespeare, tandis qu’Ambroise Vollard reprenait le personnage dans l’Almanach du XXè siècle puis dans des piécettes  en 1914-1920 en se moquant  des traditions  de son pays d’origine. Genvrin reprit le personnage  dans Votez Ubu Colonial  pour exprimer son propre regard sur la Réunion et la politique insulaire.

Lors d’un séjour dans cette île, j’ai fait la connaissance de l’auteur  qui m’a offert un grand nombre  de ses  livres  alors que, en conflit avec les autorités, il était menacé de fermer son théâtre.   Parmi eux, le fameux Votez Ubu Colonial en livre de poche (le Tome III, p. 8-133 analyse lelivre en détail). L’ouvrage est intéressant puisqu’il résume  les oeuves créées par la troupe jusqu’en 1994, date de la création de la pièce. Il reproduit également les dessins d’un artiste local, Serge Huo-Chao-Si, – dont le style  rappelle celui de Pierre Bonnard- qui illustra l’édition des UbuVotez Ubu Colonel, de Genvrin, reproduisait   aussi des partitions de musique de Jean-Luc Trulès, bien avant celles des opéras  que lui-même et son collègue  compositeur allaient produire quelques années plus tard.  La contribution de Trulès  s’avérait majeure  parce qu’ ajoutant une grande variété de formes musicales dont les sources européennes et indo-océaniques, correspondaient à la philosophie artistique de son ami Genvrin. Le résultat était une vision tout à fait unique  et très différent de ce qui se produisait auparavant dans la région.

Ambroise Vollard […] que Genvrin s’était permis de faire revivre à travers le  personnage d’Ubu créé par Alfred Jarry […] est le dénominateur commun.[…] Jarry donna son nom à ce fantoche en le portant à la scène en 1896. Pour certains, il s’agit d’une image prophétiquement vraie , annonciatrice de futures monstres  nés à  partir de la guerre de 1914  (Votez Ubu Colonial, p.1)

Dans le même  livre, Genvrin présente une préface rédigée par Agnés Antoir, historienne, historienne, professeure et présidente  de l’Association Théâtre Vollard. Le texte saisit l’importance de la musique du compositeur Jean-Luc Trulès qui a distinqué les productions de la compagnie et  séduit non seulement le public local mais aussi les habitants de Madagascar, de l’Ile Maurice, ou de la Métropole.

La préface et la postface étaient suivies d’un glossaire pour aider les lecteurs à  comprendre des expressions  créoles argotiques.

Voici une sélection:

Argent braguette      =    allocations familiale

Cafre                           =     noir 

Dodu                           =    prison réunionnaise

Faire tantane             =     ne rien faire, fainéanter

Gros zozo                    =     riche, puissant

La dit-la fait                 =    commérage

Maîtresse  poulet      =     métropole

Jamaïque                     =    célèbre  décharge public

Madame Gaspard      =   Madagascar

Sarda                              =  libérateur d’esclaves

Zamal                              =  marijuana

Zoreil                              =  metropolitain

Cette préface résume  les premières quinze années  de la troupe et les moments les plus importants  de  son évolution.   Elles sont suivies du texte intégral et d’autres tirés des oeuvres d’Alfred Jarry dans une version publiée en 1962.   Ainsi, les curieux peuvent  faire la comparaison entre les deux textes : la version de Jarry  dénonçant les exactions des dictateurs  européens, et la version de Genvrin  s’en prenant  ironiquement aux  groupes nationalistes  et  racistes opposés à la  décolonisation. (les conflit entre l’OAS et les Algériens dans les années 1960 en lutte pour leur indépendance  serait un rapprochement  à la faire).

Par ailleurs, le “Véritable  portrait de Monsieur Ubu”,dessiné probablement par Jarry lui-même, évoquait  une figue à peine humaine avec une tête pointue et un énorme ventre, à la fois ridicule et effrayant.   En revanche, l’Ubu d’Emmanuel Genvrin dessiné par Serge-Huo-Chao-Si et publié  en couverture  de Votez Ubu Colonial, est la caricature grotesque  d’un homme noir, suggérant des dictateurs Africains comme  Bocassa ou Idi Amin Dada. Votez ubu Colonial associe des événements actuels (la guerre de Yugoslavie, les massacres du Rwanda et les propres déboires de sa compagnie avec les autorités réunionnaises.

Alfred Jarry est mort en 1907 à la veille de la première guerre mondiale; Ambroise Vollard est mort en 1939 à la veille de la seconde après avoir amassé une fortune en tant que vendeur de tableaux.  Genvrin n’a pas voulu rendre hommage au bourgeois mais à celui qui a repris  dans ses écrits le personnage d’Ubu en l’associant à l’île de La Réunion. Il imagina le premier bouffon vulgaire, incarnation de l’oppression des habitants  de l’île.  Genvrin, avec  son  esprit rebelle, reprit le flambeau. La rencontre de ces deux personnalités fut parfaite.

Le texte de Genvrin se termine par une postface (p, 169-181) intitulée   “Ré-Ubu-yon , j’aime ton nom”  célébrant l’origine de la colonie en s’appuyant sur des faits historiques.

On célébrait  récemment à la Réunion un  “singulier anniversaire,”, celui du  bicentenaire du nom même de  l’Ile  qui de Bourbon devint La Réunion, par une  décision de la Convention de 19  mars 1793”.  Le texte constate la contradiction entre les intentions officielles des fondateurs de la  colonie, c’est-à-dire  réaliser l’utopie d’un idéal d’harmonie, de liberté et de fraternité universelle, et le fait que ces grands principes  étaient apparemment trahis par ceux qui tentaient de réduire Genvrin au silence en refusant sa  vision critique de cette histoire. 

Grace à  Emmanuel Genvrin,  son théâtre est devenu une vaste laboratoire de recherche transculturelle et intellectuelle où  de multiples  réseaux de significations ,  de sens et de pratiques s’entrecoupent  afin de divertir le spectateur et le faire réfléchir .  Genvrin a créé une vingtaine de pièces de théâtre et trois livrets d’opéra abordant les problématiques de l’histoire de l’île . Malgré la qualité de ses productions scéniques et publications, la troupe souffrit des décisions de l’administration française puisqu’à partir du moment où l’Ètat constata l’attitude critique de l’auteur à l’égard de la politique coloniale, il entreprit de ruiner son théâtre et traduire son directeur en justice.

La réponse de Genrin fut de sauver la mémoire de sa troupe. Le résultat est cette étude impressionnante. reproduisant des pièces intégrales et des livrets d’opéra, des partitions destinées à sièger dans les bibliothèques. Il a ainsi contribué à  prolonger le souvenir de cet extraordinaire phénomène théâtral.

* Emmanuel Genvrin,Théâtre Vollard  (Tome 1 –1981-87; Tome II 1988 – 1993, Tome III 1994—2021),  L’Harmattan, Paris, 2022.

Heartlines: an engaging new drama that opens the world for women artists in Europe.

Heartlines: an engaging new drama that opens the world for women artists in Europe.

by  Alvina Ruprecht

Margo MacDonald in Heartlines. Photo by Andrew Alexander       Margo MacDonald                               tMargo MacDonald and Maryse Fernandes in Heartlines. Photo by Andrew Alexander (2) Margo Macdonald and Maryse Fernandes

Photos Andrew Alexander

Heartlines closes the spring season of 2022 in the Great Canadian Theatre Company in Ottawa.  It is a memory play which foregrounds not only  interesting theatrical representations  of gender but also experiments in theatrical form itself as the author and the director draw examples from Cabaret, from visions of sets  that displace the spectator through the streets of Paris suggesting the period  of the 1920’s when the new modernist creativity  was booming.

The protagonists are two famous lesbian lovers immersed in the artistic experiment of Surrealism. Lucy Schwab is better known as the photographer Claude Cahoun who assumed the  identity of a man (played by Margo MaacDonald).  She accompanies Suzanne (Maryse Frenandez) who designed daring new clothes and together, their  visual experiments  echoed by the light infused multilayered set immediately brings their world to life.

The  play begins in the past , as the less emotionally explosive Suzanne opens the show by digging around in the dusty contents  of an old trunk full of theatrical costumes  hidden away in an attic space. As she pulls out these remnants of their past, a mysterious blond woman suddenly materializes, swimming  across the back of the stage , following a narrow surface of water, defined by a long line of arms, legs and body parts, (suggesting the work of Hans Arp), indicating a watery game of chance introduced by the Surrealists  –  the  Cadavre exquis- a new form of Surrealist poetry.  Sentences are  accumulated  on a sheet of paper, with no  attempt  at any logical  links .   These are the leftovers  of a dismantled collage that some giddy Dada enthusiast might have imagined.

Rapidly the lights change,  as lighting designer Tristan-Oivier Breiding’s  magical effects, capture the shift in time-line   bringing us into  the pre-war period of their adventure.  The two girls decide to go to school in Nantes and live out their lives together as a couple.

Lucy Schwob, is clearly the more theatrical character of the two – feisty, anxious to get on with her sexual discovery and take  on  the physical and social challenges of their relationship. Each one complements the needs of the other and they turn into the perfect performing duo.

Canadian playwright Sarah Waisvisz  then inserts her  lovers into the world of great literature by suggesting that the passionate 12th century  love story of Héloise and Abelard. is similar to the one we are witnessing on the stage.  Waisvitz  uses this poetic reference to help us grasp the special relationship between the two friends who are not a traditional couple but  who have dared to set forth  their own values on stage.  In fact the author uses the poet’s language  to bring into focus the world of the palm reader, a world of “luminous intensity”, that “third gender” , a  non binary relationship that has emerged  within the very personal reality of these two special women.

Waisvisz suggests how the surrealist movement , because of its daring social and political theories,  produced  anger among bourgeois audiences , whose presence is perfectly illustsrated by Vanessa Imeson’s period costumes  and Andrea Steinwand’s sets.   The whole theatre was transported  into the middle of this jolting new world in a breathtaking way. Both Surrealism and Dada rejected hitherto accepted norms of art , of  moral and social behaviour  and these two women’s behaviour scandalized French society.

The first part of the show is a series of realistic dialogues as well as a series of Cabaret sketches  reproducing images  they inherited from  their artist colleagues whom they met in Paris and who made a strong impression on these young women.  The Icons of well-know works of art come  floating around the video screen : the pulpy lips of Dali paintings,  the figures of  de  Chirico, the photographic art of Man Ray and many others.

Quickly the playful Cabaret tone among all these influences become tragic as  WWII is declared  and the two friends realize how dangerous it is for them to stay in Mainland France as lesbians and even moreso because Luci is Jewish. Thus they leave Paris for the Channel Islands.

At that moment the parody becomes a lot more subversive.

The musical performance by sound designer Scottie Irving was particularly  moving as he caresses  the piano keys, producing sad tones  which capture the  disturbing internal struggle  of each of these women.  Irving contributed  much to the sensitive work of director Rebecca Benson, whose remarkable choices  maintained an emotional distance from the moments  brutality , especially when Claude Cahoun is arrested and tortured by the gestapo. The beating mimed by the actor, removed all sense of reality  and thrust us straight into the domaine of pure performance.

Despite the seriousness of the subject matter, the  whole team produced a most enthralling  and sparkling performance worthy  at times of a Mel Brooks musical (The Producers) especially in the second act where movement, mimicry  à la Charles Chaplin, prevailed.

As soon as the occupying german forces arrived in France, we were confronted  by the biting  humour and brilliant satire of these great comedians.  We saw the  German goose-stepping soldiers, with their purposely hysterical mimicry, their hysterical screetching  voicses. As well as campy red and black swastikas fluttering  in front of the soldiers, a clear reference to the “Freedom convoy” that hit Ottawa recently. Veiled references to the politics of fascism raised its ugly head on stage. The timing  could not have been better.

Solid acting techniques backed up by Brechtian theories of epic theatre( to destroy the illusion of reality  but which was  itself  satirized)  brought this to life as a tribute to theatre itself, ta great weapon of subversion.

The essential theatricality of  this daring performance avoided the trap of realism   which might have transformed  us into voyeurs ,but this was not the case.  What we saw was a staging that maintained  a healthy distance between what the production   company said what was happening and what it hoped the audience could imagine, something honest, profound, artificially coherent .  A feat of artistic magic that evoked all levels of this difficult experience and made it work beautifully!

Readers and collaborators please note! CCC is now up and working!

Readers and collaborators please note! CCC is now up and working!

Robin Hood. Photo Dominiqe Gibbon   Xmas  Panto  2019  at the Gladstone

 

 

Terri Loretto 2019  –  Cast of Casablanca at the Gladstone
Given the problems caused by the pandemic and the extremely infectious nature  of Covide-19, we have been closed but  are now opening.  The  theatre is now under the direction of Robin Guy. We invite all theatres to keep sending  in their  publicity announcements so we can follow your developments . We also invite the public to follow the site of  the Theatre Times.com as well as  www.critical-stages.org  and the on line publications of all theatres  in Canada and abroad. Given the fact that the danger of infection still exists please wear your masques in the theatre. 

You may stay in touch by e-mail,   alvinaruprecht@hotmail.com

The Secrets of Primrose Square a play by Claudia Carroll

The Secrets of Primrose Square a play by Claudia Carroll

  • Claudia Carroll, the author of “The Secrets of Primrose Square”, travelled 5,000 miles from her home in Dublin to attend the official premiere of her play at the Gladstone Theatre in Ottawa May 26. Quite a treat for the audience and especially for director John P. Kelly who after two years of not being able to work on stage, clearly felt that her presence was a much-deserved reward for all the bad luck his company has had during the pandemic as well as all the effort and love he poured into this extremely difficult play. Her remarks gave us to understand that she too found the event a treat.

This critic found that the written text held my interest  by creating a microcosm of a certain  Irish society y represented by  three women living alone in  a certain area  in Dublin. The events are all captured on a single set split into several spaces that need no change of scenery, one great material advantage of the play.

As the lights come up. Susan, a mother raging with anger played by the most powerful Robin Guy, is sitting in the street howling insults at the upper floor of a window where light seems to indicate the presence of a young scoundrel whom she hates with a passion because she blames him for the suicide of her eldest daughter. However, the answer to that is not obvious until the second act and that to my mind was already a weakness in the play because the justification for her anger came too late and I’m not sure whether it was a problem with the text or perhaps with the screaming of the actress that made the scene a bit difficult to understand.

Nevertheless, the point is soon explained as the play evolves.

These three women are bound together by a personal tragedy or a terrible loss that is not necessarily obvious to the others at first but from which the “Secrets” of the title draws its name.

Melissa (Isabelle Kabouchi) , Susan’s youngest daughter, tells us of the disintegration of her home now that her father and mother are both away. The father is on military service in Lebanon and Susan, her mother, is having a mental breakdown. She needs drugs, she disregards the house and leaves piles of smelly laundry  stinking up the place. Susan is the central figure here and Robin Guy captures her perfectly with all her rage and destructive behavior. She needs psychotherapy and there are some very emotional scenes of group therapy in a psychiatric ward in a local hospital which might bother anyone who has ever gone through that form of treatment.

Melissa, a disturbed youngster tries to survive the taunting by her snobby classmates by turning to a kindly neighbour Jayne, (Rachel Eugster). The result of this was a dramatic and depressing picture of this society indeed but I barely felt any emotion during the evening except towards the end. It could be that the style of the dialogue purposely prevented me from becoming personally involved.

What happens here is that the characters speak as though they were not confronting any one of their neighbors directly but rather speaking about what had already happened or was going to happen but not in the process of happening even though they were standing in front of the individuals they were addressing. Thus, the link between these three characters and the spectators was more intellectual than emotional.

Although, this indirect form of the dialogue was fascinating, it seemed to lessen the emotional relationship with onlookers by separating us from direct confrontation with the characters’ feelings that might have made more of an impact. There was much emotion during the scene with the psychiatric patients, and at the end , the dialogue assumed a form of reconciliation which also offered a feeling of relief. However,  apart from these moments it was difficult to feel anything at all. Perhaps this is what the author intended?

More difficult to understand was the weakness of the acting. Rachel Eugster as Jayne the kindly neighbour who tries to help Melissa, flattened the emotional intensity of her character and really did her best with the Irish accent, but it did not work. This is an ongoing problem in Ottawa with accents and it seems to me that actors should either all speak their own form of English (if they are anglophones) or some form of language they can handle easily and not pretend to speak the way that is not normal for them. Most of these performers have not had professional stage training which would have solved that problem and the result is that we get such a mixture of accents that nothing is really satisfying, especially in a play that is ‘naturalistic’ and not stylized, where accents actually produce specific meaning. In fact, all three of the actors had the same problem and it made me uncomfortable.

Melissa the disturbed daughter was particularly weak. Her delivery was monotonous to the point that one wonders what she was doing in that play. It is clear from her bio that she had much less experience than the others and this, added to the weakness of her reactions in these difficult situations. In any case, the question of accents brought down the level of the show to a nonprofessional evening which was a shame.

Still, I was glad to have the occasion to discover this very sensitive author whom I did not know, and the audience seemed to appreciate the performance judging from their applause at the end. No standing ovations but those reactions are overdone in Ottawa and often don’t mean anything! A fine evening to bring Ottawa audiences back to the stage with a world premiere of a thought-provoking play.

The play is a coproduction by ‘SevenThirty Productions and Three Sisters Theatre Company . The Secrets of Primrose Square continues at the Gladstone until June 1, 2022. www.thegladstone.ca